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篇一：命运交响曲
命运交响曲
——一部凝聚着贝多芬之魂的史诗
1808年11月，贝多芬在写给他的朋友韦格勒的信中说：“我要扼住命运的咽喉，它决不能把我完全压倒！”
是什么样的命运能让人发出如此决绝的声音？又是什么样的人能这般怒吼，愤懑又狂大的发誓挑战命运？
一曲《命运交响曲》终将解答内心的疑惑，因为它满载着贝多芬之魂。
1804年，贝多芬开始构思并动笔写《C小调第五交响曲》，也就是后人熟知的《命运交响曲》，作品完成之前，他一共花了五年时间进行推敲、酝酿。那时，身体与爱情的两大创伤让本来就命途多舛的贝多芬再一次尝到了命运弄人的滋味。无法治愈的耳聋，可能对于普通人来说只是失去了听力，但对于音乐家来说，就是失去了成为音乐家的资格，就好比画家失去了双手，运动员失去了双腿。另一方面，热恋的情人因门第原因远嫁他人，长期信赖及依赖的人弃己而去，此时的贝多芬就像一只被遗弃的孤雁，在长夜漫漫里低飞，哀鸣。但是，正是这如此之大的精神打击造就了贝多芬，也成就了贝多芬。没有压迫，哪有反抗？贝多芬在一封信里写道：“假使我什么都没有创作就离开这个世界，这是不可想象的。”于是，失去双手的画家用双脚完成未完成的事业；失去双腿的运动员靠轮椅跑完了下半生的路；离群的大雁停止哀鸣，向着更明亮的地方高飞??
贝多芬依靠不可想象的顽强意志，在一生中最痛苦的时刻，展开了一次最旺盛的创作高潮。《降E大调第三交响曲》（《英雄交响曲》）、《F大调第六交响曲》（《田园交响曲》）、《G大调第四钢琴协奏曲》、《C大调第二十一钢琴奏鸣曲》（《华尔斯坦奏鸣曲》）、《F小调第二十三钢琴奏鸣曲》（《热情奏鸣曲》）、《D大调小提琴协奏曲》、《C大调弥撒曲》等都是乐坛上分量至尊的瑰宝，它们展现出来的贝多芬式思潮始终让后人敬仰崇拜。然而，在我看来，《命运交响曲》实是最能体现贝多芬之魂的作品，它史诗般的道出乐圣心中所想，让我忍不住赞叹：此曲只应天上有，人间能得几回闻啊！
唆唆唆咪——！发发发来——！命运强劲有力的敲门声让人无论在何时何地听到都会为之一颤。第一乐章开头便是一幅斗争的场面：黑暗的命运咆哮着、卷着巨浪，如同海啸般扑面而来，乌云滚滚，涛声震天。然而，我们的英雄们并没有被命运的恶势力吓倒，他们报之以同样的咆哮，面对张狂的命运却多出了自信——必胜的信念。这开始的强有力的四个音无疑是第一乐章的第一主题，似炮火般的音符不断推动着乐曲的发展。此时，所有乐器竞相出发，积极重复着这个主题，也在不断展现英雄们与命运斗争的场面，一浪高过一浪，一次更甚一次，誓将斗争进行到底！之后，圆号的出现缓和了整体乐章的气氛，它以较为舒缓、明快的声音表达人民对于幸福生活的渴望和追求，第二主题出现了。但同时，第一主题并没有因此消失，反而以伴随的形式插入第二主题之中，似乎在预示着斗争永不停息，必胜的信念也永不湮灭。终于，明亮的尾音结束后，激烈斗争的音符又强加进来，这一次，调性的转换、强度的变化都使得斗争趋向了白热化。而在这中间，第一主题和第二主题的不断切换更是加强了音乐本身的不稳定性，丰富了作品内涵，也使得听众更能身临其境的感受。渐渐地，乐章达到了最高潮，紧张的和声发展、鲜明的力度对比让此次英雄与命运、白与黑的斗争达到顶峰。乐章最后，反复出现的强劲音宣告着与命运抗争的英雄们共同的心声：长风破浪会有时，直挂云帆济沧海！这就是贝多芬笔下坚毅的心。
如果把音乐比作画卷，那么第二乐章便是优雅的山水画了，而且在这一派清亮的水墨中，既有棱角分明的高山，凌厉的巨石，直插云霄的长竹，又有茫茫的白雾，婉转的溪流，安然静好的憩鸟。整幅画卷宏伟中有隽秀，辉煌中有深沉，充满着朝气，又不
失温柔。乐章开始时，大提琴以其独有的安详之音进行抒情，诉说着对美好生活的向往，接着，单簧管和大管奏出了带有战斗号召性的第二主题，第二主题进行着第一主题的安详式抒情，然后转入深深地思考，最后在全乐队的强奏后爆发，既像战士出征前鼓舞士气之歌，又像凯旋归来的英雄赞歌。总之，全乐队的强奏开启了第二乐章辉煌的一面，带领着之后的六次变奏，已经不是诉说，而是呐喊着对光明的渴望，对胜利的追求，呐喊着也期待着在命运之战中凯旋。这种不战而胜的信心也正是表达了贝多芬从深思中萌发，在战斗中成长的思想。
第三乐章更像是一个过渡乐章，它承接了第一乐章和第二乐章斗争的事实与深思后的坚定信念，又像是要开启第四乐章完全的胜利的篇章。大提琴又一次出现，但比第二乐章来的急促、激动，但转承起和之间似又有些力不从心。这好比一位勇士，怀着内心对光明的绝对崇拜和对胜利的绝对渴望，驰骋在战场，威风凛凛，但好景不长，敌人一次一次的进攻逐渐打击勇士的积极性，同时也在一点一点摧残着他必胜的信心。勇士迷茫了：进还是退？这时，一连串的和弦作为另一位勇士的身份出现了，他给同伴打气，但也能感到危险的将至未至，打气声中不免有些软弱的震颤。于是，天神般降临的圆号继第一乐章出现后又改头换面的来了，其中已然听不出以往的舒缓，现在剩下的只有那份不变的坚持。圆号换了一种稳重的声音给勇士们带来了勇气，这也是它再次出现的原因，它以坚定的姿态告诉勇士们：会当凌绝顶，一览众山小。之后，勇士与天神之间的关系又重复了几遍，使得乐章更加丰富，内心挣扎的矛盾性和戏剧性也凸显了出来。但是，一遍又一遍的对话并不是单纯的重复，必胜信心渐渐取代了暂时的疑惑与犹豫，随着最后定音鼓的敲击，第一主题出现，音乐逐渐上升，音域不断扩大，力度由弱到强，音乐色彩渐渐明朗，表达出的信心以一种不可遏制的力量冲入第四乐章。
进入第四乐章，明显感受到一股胜利的喜悦之情，似乎呼吸的空气也瞬间干净起来。雄伟壮丽的和弦积极向上，旋律悠扬，让人不禁嘴角勾出笑意。紧接着，木管乐器奏出更加音色明亮的节奏，以歌唱式的手法欢快的自由的表演。明亮的节奏如实的推进了整个乐章达到胜利的高潮，英雄凯旋，人民欢腾，每个人都沉浸在胜利的喜悦之中。然而，这时候，本以为乐章就将以此种幸福欢乐的感觉持续到底，贝多芬却突然停手，出人意料的加入了一段低沉微弱的命运敲门声！屏住呼吸，绷起全身神经，却发现它不再是如第一乐章时强劲。这就是贝多芬安排这样一段的妙处，他提醒着人们虽然在胜利的欢乐中与命运的抗争出现的很卑微，但我们不能忘却它，而且我们不能保证今后不与命运再次抗争，时刻提醒自己是很必要的。当欢快的音乐再次响起时，我不禁又对贝多芬钦佩了几分，命运是可耻的，一遍一遍来捉弄我们，但我们不会再害怕了，我们对未来的信心可以压倒一切，不管你来多少次，我们都会毫不犹豫的扼住你的咽喉！本乐章也是《命运交响曲》的最后几个强音就是在这样的情感下辉煌的结束了。 《命运交响曲》中的贝多芬才是真正的贝多芬，我不仅要赞叹他创作的巧妙，更要赞叹他本人性格中的不屈不挠，即贝多芬之魂。但是，现在纵观当今社会，又有多少人能像贝多芬一样不畏命运，顽强追求自己的梦想呢？贝多芬虽然人生坎坷，但他战胜了命运的不公，在天地间潇洒走了一回，留下的作品当然也就充满了这豪迈的不屈精神。恩格斯听了《命运交响曲》的演出。他在写给妹妹的信中赞美这部作品说：“如果你不知道这奇妙的东西，那么你一生就算什么也没有听见。”我想，恩格斯的赞美可以作为这篇文章的结束，因为恩格斯是领悟了贝多芬之魂的人。
篇二：交响乐赏析
交响乐赏析
题材：
1. 交响曲
乐圣——贝多芬（德国）—第五交响曲（命运交响曲）；德沃夏克（捷克）—第九交响曲；音乐之父——海顿（奥地利）—惊愕；莫扎特（奥地利）—第四十交响曲（不想长大）。 贝多芬：《月光曲》原名《升C小调钢琴奏鸣曲》，《D小调奏鸣曲》，《英雄交响曲》
海顿：小夜曲 小号协奏曲 ， 清唱剧《创世纪》 ，G大调第94号交响曲《惊愕》，d小调第一零一交响曲《时钟》 ，升f小调第四十五交响曲《告别》 ，G大调《小夜曲》，《吉普赛回旋曲》
莫扎特：《魔笛》，《安魂曲》，《费加罗的婚礼》
交响曲是器乐体裁的一种，是管弦乐队演奏的包含多个乐章的大型（奏鸣曲型）套曲。源于意大利歌剧序曲，海顿时定型。基本特点为：第一乐章快板，采用奏鸣曲式；第二乐章速度徐缓，采用二部曲式或三部曲式等；第三乐章速度中庸或稍快，为小步舞曲或诙谐曲；第四乐章又称"终乐章"，速度急速，采用回旋曲式奏鸣曲式等。
古典交响曲通常有四个乐章，其基本特征为：
第一乐章，快板，奏鸣曲式，音乐活跃，充满戏剧性，由两个对立主题作呈示、展开和再现，示意矛盾的起因、发展和暂时的结果。
第二乐章，慢板，三段体或变奏曲，曲调缓慢如歌，内容往往表现生活的体验和哲理性的沉思，是交响曲抒情的中心段落，与第一乐章形成对比。
第三乐章，常用小步舞曲或谐谑曲，音乐体现了矛盾冲突之后的闲暇、休整和娱乐，三段式结构。
第四乐章，多采用舞曲性格的急板如回旋曲式、奏鸣曲式或回旋奏鸣曲式，内容与矛盾的结果有关，常表现乐观、肯定的态度和胜利凯歌般的节日欢庆场面。
交响曲特点
由多种乐器一起演奏一首曲子，需要高度的默契和技巧。指挥和首席很重要。交响乐气势磅薄，优秀的演奏可以给听众一种美妙的体验。这种感觉是和任何一种乐器独奏不同的。 古典时期乐队编制：
2. 协奏曲
维瓦尔第（意大利）—四季；柴可夫斯基（俄罗斯）—第一钢琴协奏曲，门德尔松（德国）—E小调协奏曲
柴可夫斯基：降b小调第一钢琴协奏曲 D大调小提琴协奏曲 G大调第二钢琴协奏曲
协奏曲（concerto）最早是作为一种声乐体裁出现的，十六世纪指意大利的一种有乐器伴奏的声乐曲。十七世纪后半期起，指一件或几件独奏乐器与管弦乐队竞奏的器乐套曲。巴罗克时期形成的由几件独奏乐器组成一组与乐队竞奏者称为“大协奏曲”。古典乐派时期形成的由小提琴、钢琴、大提琴等一件乐器与乐队竞奏的控协奏曲称“独奏协奏曲”。
大协奏曲（独奏协奏曲），小协奏曲（一个乐章）
一般分为三个乐章。控化的协奏曲多用三乐章的套曲曲式构成：第一乐章为奏鸣曲式的快板，第二乐章慢板，第三乐章快板。古典乐派及浪漫乐派的部分协奏曲的第一乐章多采用双重呈示部，先由管弦乐队演奏第一个呈示部，之后独奏乐器加入演奏，随后由独奏乐器为
主演奏另一个内容不完全一样的第二个呈示部。除此外，在第一乐章和第三乐章再现部结束、结尾开始前的主和弦第二转位和弦后安插由独奏乐器演奏的华彩乐段，并用属和弦上长时值的颤音过渡至管弦乐合奏的结尾。
3. 序曲
指歌剧、舞剧等开幕前演奏的短曲，亦称“开场音乐”，由管弦乐队演奏，其使命在于综合地叙述全剧发展的重要关键场面，奏出剧中代表主角发旋律，它仿佛是剧情的缩影。
1、序曲是歌剧、舞剧等大型作品的目前曲，最早只是为等待观众入场而演奏的简短音乐段落。 1812序曲
2、从18世纪中后期德国音乐家格鲁克的歌剧改革开始，将剧情因素引入序曲，使之逐步与歌剧的戏剧性融为一体，从而能更有效地引导观众进入歌剧发展的过程。
3、19世纪以后的序曲越来越向音乐会序曲发展，并演变成单乐章的交响诗形式。 蒙特威尔第（意大利）—奥菲欧；莫扎特—费加罗的婚礼；罗西尼（意大利）—威廉退尔序曲（东成西就张学友）；贝多芬—艾格蒙特
4. 组曲
早期组曲 组曲是最古老的器乐套曲形式，源于对比性舞曲的组合。早在14世纪，舞会里即盛行一慢一快的对比性舞曲的组合。16世纪初,琉特演奏家仿此以1首庄严的2 拍子舞曲与 1首轻快的3拍子舞曲联合成套。例如在法国、德国及英国,通常采用舞曲帕凡-加亚尔德的组合，在意大利，则采用帕萨梅佐－萨尔塔雷洛的组合（见舞曲）。此外，许多作曲家还各自按自己的艺术构思,进行各种组合的试验。 从当时编纂的琉特曲集中,经常可以发现3个或更多舞曲的组合形式。
几个具有相对独立性的乐章,在统一艺术构思下,排列、组合而成的器乐套曲。
亨德尔（德国）《水上音乐组曲》；格里格（挪威）—《培尔金特》；霍尔斯特（英国）—行星组曲
古代组曲：水上音乐
现在组曲：G.比才的《阿莱城姑娘》组曲、E.格里格的《彼尔·英特》组曲、柴科夫斯基的《胡桃夹子》组曲；赵季平—乔家大院，《红高粱》，琵琶协奏曲《祝福》和管子与乐队《丝绸之路幻想曲》
5. 交响诗
交响诗（symphonic poem），一种单乐章的标题交响音乐，脱胎于19世纪（1850年）的音乐会序曲，强调诗意和哲理的表现。交响诗的形式不拘一格，常根据奏鸣曲式的原则自由发挥，是按照文学、绘画、历史故事和民间传说等构思作成的大型管弦乐曲。它是标题音乐的主要体裁之一。通常多采用单乐章的曲式，结构较自由。音诗、音画、交响童话等，这些也是与交响诗相类似的音乐体裁。
交响诗也称“音诗”，它是一种由李斯特首创的具有戏剧性、抒情性的单乐章管弦乐体裁，李斯特式的交响诗出现之前，音乐家通常写作音乐会序曲的形式。交响诗在构思上，或体现一个哲学思想，或体现一种诗的意境，或和一定的文学题材相联系。
交响诗创始于十九世纪中叶，创始者是匈牙利"钢琴之王“李斯特。
斯美塔那（捷克）—沃尔塔瓦河；理查德·施特劳斯（德国）—查拉图斯特拉如是说
中国作品：梁祝（新中国成立）；黄河钢琴协奏曲；乔家大院组曲
6.交响曲和交响乐的区别
交响乐是一个比较宽泛的概念，可以理解为由交响乐团演奏的乐曲，同时也涉及相关的一些其他音乐体裁。可以说交响乐是对交响曲、协奏曲、管弦乐、交响诗、组曲等音乐的统称。
交响曲是由海顿确定下来的一种固定音乐体裁，通常为四个乐章，基本特点为：第一乐章快板，采用奏鸣曲式；第二乐章速度徐缓，采用二部曲式或三部曲式等；第三乐章速度中庸或稍快，为小步舞曲或诙谐曲；第四乐章又称"终乐章"，速度急速，采用回旋曲式奏鸣曲式等。
7.编制
交响乐队是音乐王国里的器乐大家族，一般来说它分为五个器乐组：弦乐组、木管组、铜管组、打击乐组和色彩乐器组。下面分组介绍各种乐器（它们都是从高音到低音的乐器）：
弦乐组：小提琴、中提琴、大提琴、倍大提琴。
木管组：短笛、长笛、双簧管、英国管、单簧管、大管。
铜管组：小号、圆号、长号、低音号。
打击乐组：定音鼓、锣、镲、铃鼓、三角铁等。
色彩乐器组：钢琴、竖琴、木琴、铝板钟琴等。
对于一些特殊曲目，还会加入其它的一些乐器，像唢呐，喇叭，二胡等民族乐器
篇三：交响乐赏析
交响乐赏析 交响音乐不是一种特定的体裁名称，而是一类器乐体裁的总称。这类体裁的共同特征是：
1、由大型的管弦乐队演奏；
2、音乐内涵深刻，具有戏剧性、史诗性、悲剧性、英雄性，或者音乐格调庄重，具有叙事性、描写性、抒情性、风俗性等；
3、有较严谨的结构和丰富的表现手段。
4、表现手法是顿挫分明的，能将听众带入音乐意境和想像空间。
交响乐队的形成
交响乐队的真正形成是在近几百年内，严格来说就是在维也纳古典乐派所兴盛的时期。在这之前，交响乐队的结构组成并不完善，还只是一些编制不全的管弦乐队。如在海顿和莫扎特的创作中，乐队的编制和规模也仅仅限于室内乐特征的小型乐队。交响乐队形式和编制是在贝多芬的创作中达到最终完善的。如在贝多芬交响乐的创作中，双管或三管编制的交响乐队得到了基本确定。后来，在整个19世纪早期到晚期的浪漫主义音乐全过程中，交响乐队编制和组合形式又得到了进一步的完善。大型四管交响乐队的出现和各种特性乐器的加入，更加丰富了交响乐队的音响效果和艺术表现力。这些特征在马勒、理查－施特劳斯及20世纪现代作曲家普罗菲耶夫、肖斯塔科维奇和斯特拉文斯基等人的创作中体现的尤为充分。
发展历史
交响音乐形成于18世纪中叶的欧洲。在此之前的17一18世纪中叶是欧洲音乐史上的高峰之一-一巴洛克音乐时期。按照西方音乐史分期,欧洲交响音乐的发展大约经历了古典主义、浪漫主义、民族主义、印象主义、现代主义等历史阶段。
古典主义交响乐以海顿、莫扎特、贝多芬三位音乐大师为代表,以当时西欧文化名城奥地利首都维也纳为中心,故有时也称维也纳古典乐派时期,其时间跨度一般以海顿在维也纳开始他音乐生涯的1755年为始,而以贝多芬辞世的1827年为下限。
古典主义交响乐是在以往欧洲音乐成果的基础上,结合新时代的新思想、新观念和新的审美要求,在更高的阶段上追求情感与理性的平稳,严谨完美的形式与深刻思想内容的结合,放眼于追求客观的美,注意音乐形式的严谨平衡,音乐风格的庄重和谐。古典主义交响乐的特点在巴洛克音乐的顶峰期中已经孕育,只是到海顿,才最终确立了交响曲四个乐章的结构形式,并形成了一套完整的交响乐队编制,为后来交响音乐的发展奠定了基础。 在精彩浩淼的音乐世界里，交响乐恐怕是最让人爱恨交织、取舍两难的了。因为在大众的观念了，他是高雅的、严肃的、让人望而却步的。其实交响乐离我们的生活并不远。只要掌握了基本的欣赏方法，听懂交响乐是一点都不难的。
第二周
交响乐赏析
迈克尔 杰克逊算是家喻户晓的人物了，他的音乐可以让数以万计的歌迷们为之疯狂，迈克尔 杰克逊具有举世罕见的艺术才华，他与众不同的嗓音，独创的舞步，和浑身洋溢的明星魅力使他从幼年就崭露头角，那么杰克逊的音乐到底是什么风格，对流行音乐究竟有哪些影响呢
流行音乐简称通俗音乐，迈克尔 杰克逊的音乐具有难以仿造的专业性，尤其是他的太空步，杰克逊的音乐风格是世人难以仿造的，
迈克尔·杰克逊被誉为流行音乐之王，是继猫王之后，西方流行乐坛最具影响力的音乐家,其成就超越猫王。是出色的音乐全才，作词，作曲，场景制作，编曲，演唱，舞蹈，乐器演奏都有着卓越的成就。他融合了黑人节奏蓝调与白人摇滚的独特的MJ乐风，时而高亢愤疾、时而柔美灵动的嗓音，空前绝后的高水准音乐录影，规模宏大的演唱会无不在世界各地引起极大轰动，他在全球范围内拥有亿万歌迷，他拥有世界销量第一的专辑《THRILLER》，其唱片总销量数以亿计，被载入“吉尼斯世界大全”。他魔幻般的舞步更是让无数的明星效仿。有人说迈克尔杰克逊是一个神奇的怪物，浑身上下充满的节奏能带动全世界的脉搏。至今世界仍有上亿歌迷。
他很有张扬的个性。音乐风格也别具风格。
第三周
巴洛克时期的音乐
巴赫是巴洛克时期音乐的集大成者，作品浩如烟海，他创作了除歌剧外的几乎所有的巴洛克时期的音乐，许多作品几乎成为了众多作曲家的典范，他把赋格曲发展到及其完美的地步，被称为近代音乐之父，那么我先介绍一下什么是赋格曲，赋格曲就是复调音乐中最为复杂，严谨的曲式。下面我听了巴洛克时期的音乐，在此我想说一下巴洛克时期的音乐风格的特点。
巴洛克音乐的一些特点，它的节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，比较强调曲子的起伏，所以很看重力度、速度的变化。巴洛克音乐是后期发展的一个基础。在声乐方面，巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色。那个时期的代表人物有：巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。巴赫是音乐之父，由此可见他的威望之高。维瓦尔蒂凭着他的《四季》一举成名天下知。亨德尔是旋律大师，他的作品有一种优雅！他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富。
1．旋律声部的流畅性
乐曲开始就以小调为主干音：属音的反复出现而确立了小调毋庸置疑的统领地位，而且小调的主、属音贯穿于全曲的始终。所以小调的暗淡色彩、低迥的风格也无疑是此曲的主调风格。此外，为了情感表达的需要，作曲家更多地将大、小调两种不同表现手法有机结合在一起，推动音乐的发展，进行色彩的对比，生动地塑造歌曲的音乐形象，深刻地表达歌曲的内容与情感，收到极好的艺术效果。
2．伴奏织体的简洁性
无论在表达方式还是艺术内容上，都表现一种简洁朴素、自然流畅的特点，与后
来的歌剧相比，它没有复杂多变的心理和剧情，也没有气势磅礴的音乐背景。它的表现方式简单而且大众化，伴奏和声的写法简洁。但是，简洁不等于单调，古典作品表现出的纯朴性正是人们倍感亲切、乐于接受的。伴奏采用简洁、流畅的织体。
3．演唱风格的抒情
演唱从来就不只是简单的发声过程，即使作品的表现只需难度不高的发声技巧，
它仍然需要丰富的情感和对作品的深刻理解。巴洛克时期意大利歌曲的演唱也如同作品一样简单，不矫揉造作，宁静又连贯。演唱者必须严格按照谱面的要求，不能随意加快、放慢或者延长，尤其是有装饰音的乐句，必须认真对待装饰音中的每个音符，
使其在准确的节拍中表现。
第4周
莫扎特的音乐风格
奥地利作曲家沃尔夫冈·阿玛台乌斯·莫扎特，是维也纳古典乐派的代表人物， 莫扎特的交响曲，是贝多芬之前的全部交响曲创作的最高成就。他的突出贡献在于各乐章之间的主题之间的对比性。
上帝创造了万物，莫扎特则以纯正的心态，笼天地于形内，挫万物于笔端，在他短暂的生命中，以其旺盛的创作精力，向世人奉献了大量充满灵性的音乐作品，这在人类文明史上是空前的，莫扎特音乐艺术的根，正如近代欧洲文明的根一样，必须到古希腊、罗马去寻找。莫扎特音乐艺术的古典风格源自新古典主义浪潮的影响，犹如古希腊、罗马的建筑艺术风格一样，不仅崇高、庄严、静穆，且华贵、典雅。莫扎特在乐曲中营造出一种心旷神怡的优美氛围，靠直觉来表述自己内心对阳光、月光和星光下的世界人生的种种印象，具有对称美和稳定的和谐美。
莫扎特的钢琴音乐以优美、流畅、明朗、乐观为主要特征。莫扎特在歌剧中表现的非凡旋律天才，也充分显示在钢琴音乐中，如钢琴乐曲中不仅慢板主题气息、宽广、悠扬、婉转，恰似歌剧中的咏叹调，甚至那些轻捷绮丽的华彩经过句，也都是发自心底的歌唱。莫扎特钢琴演奏风格，以典雅，精致，纤巧，细腻而著称于世。莫扎特创造性继承、发展了阿尔贝梯低音写作手法，增强了低音的旋律性，既吸取了法国库泊兰古钢琴音乐中装饰音的曲雅趣味，又大大地改变了装饰音的形式，使装饰音不再仅仅装饰作用使之为旋律的组成部分。这种新的钢琴语汇创造，不仅形成了莫扎特钢琴音乐所特有的纤巧、优雅的风格，而且对19世纪波兰钢琴家肖邦也有很大影响。
1.旋律性极强。莫扎特的作品主旋律往往是简单而极富歌唱性的。弹奏时，应清晰突出，不能草草了事，每一个音符都必须弹得透而不燥，实而不硬，富有一定的韵味。
2.要弹出晶莹透亮的音乐。在指触上要以non Legato为主，用指尖触键，快速而不生硬，奏出均匀清晰的音粒。
3.注重乐句的处理，强弱的对比。莫扎特的作品很少有大起大落的强弱对比，却差不多每一句都有渐强渐弱的曲线。其作品中很少出现f -PPP的强烈变化，但乐句与乐句之间却经常出现前后照应，强弱对比。
4.重视谱面上的所有标记。弹奏莫扎特的作品不允许演奏者有太多的自由处理，
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